Las 50 mejores canciones de 2023 (hasta ahora)

Cada mes de junio, encuestamos a los escritores y editores de Paste Music sobre las mejores canciones del año hasta el momento. Reuniendo nuestras voces únicas, hemos reunido una instantánea dinámica y de amplio alcance de lo que nos han ofrecido estos últimos seis meses. Ese paisaje incluye una exuberante cantidad de synth-pop y disco, destacados debuts de artistas y deslumbrantes piedras preciosas del rock 'n' roll de bandas tanto nuevas como eternas. Es probable que nuestra lista de fin de año se vea muy diferente cuando llegue diciembre, pero estamos encantados de haber pasado tiempo con todas estas pistas. Entonces, sin más preámbulos, aquí están las 50 mejores canciones de 2023 (hasta el momento). —Matt Mitchell, asistente de edición musical

50. Youth Lagoon: “Prizefighter” En “Prizefighter”, Youth Lagoon, también conocido como Trevor Powers, flota sobre un piano claro, una caja de ritmos y muestras vocales sutiles, casi imperdibles. A través de imágenes emocionales del boxeo, crea una historia que duele por el poco cierre que tiene para su protagonista. “Tommy se fue a la guerra sin despedirse / Nunca tuve la oportunidad de preguntarle por qué / Pero como Tommy siempre fue un tipo duro / Sé que es porque pensó que lo vería llorar / Tenía unos nudillos que podían hacer que el diablo se avergonzara. / Los nudillos de un boxeador en alto”, canta Powers. Crea un retrato de su entorno mientras desdibuja la línea entre la realidad y la ficción, y su elenco de personajes narra la parte más vulnerable de Estados Unidos de manera reflexiva y narrativa. —Matt Mitchell

49. Ezra Williams con Sammy Copley: “Until I'm Home”El LP debut del cantante y compositor irlandés Ezra Williams, Supernumeraries, llega este mes a través de AWAL, y el sencillo teaser “Until I'm Home” es uno de los sintetizadores folk más dulces. Canciones que escucharás todo el año. Williams escribe canciones que narran el romance, el aislamiento y la catarsis de manera refrescante, combinadas con instrumentos exuberantes, atractivos y entrañables. “Todos no pueden tener razón / Así es como sé que hay más contra lo que luchar / Y esta gran lista de cargas que te paso / Sólo son fáciles hasta que estás en casa / Pero luego es tarde y estás solo”. ellos cantan. Con sólo 21 años, Williams se está estableciendo rápidamente como una potencia creativa con un lenguaje hábil para explicar cómo el mundo orbita más allá de ellos. —Matt Mitchell

48. Being Dead: “El gran día libre de Muriel”Being Dead son los surf punks míticos y animados, sacados directamente de nuestras mayores leyendas urbanas; Como una máquina singular, se presentan como una fusión perfecta de King Krule, los B-52, Parquet Courts y Devo. “Muriel's Big Day Off” es un pastiche de viñetas que muestran la inmortal destreza en el género de la banda. Entrelazándose dentro y fuera del dream pop, el art punk, la bossa nova y el jazz, Being Dead está combinando sus intereses en un gran conjunto de ambiciones. Es difícil no dejarse llevar por la magia de la presentación de esta banda. A través de excelentes juegos de palabras, deliciosas vocalizaciones y una teatralidad gonzo, Being Dead es uno de los actos más geniales y extraños que existen; un tornado cósmico de implacable rareza. —Matt Mitchell

47. billy woods y Kenny Segal: “FaceTime”Honestamente, hay alrededor de cuatro o cinco canciones de billy woods y Kenny Segal's Maps que podrían haber encontrado un lugar en esta lista. El álbum colaborativo del dúo es así de bueno de arriba a abajo. “FaceTime” es nuestro punto culminante más importante del álbum conceptual y apunta directamente a los altibajos de las giras. Con un instrumental exuberante y centelleante plagado de excentricidades del jazz y el crujido del sampleo digital, la historia, los juegos de palabras y la actitud de Woods se enfatizan inmensamente. "Listo para morir, no es gran cosa / No es sorpresa, no hay lástima / Viví un par de vidas, g'head y slide / Espero llevarme un par conmigo / Gané un par de dólares, se volvió complicado rápidamente", rapea. Con armonías perfectas de Samuel T. Herring que envuelven la producción de Segal y el flujo de las maderas, “FaceTime” es una de las ofertas de hip-hop más ingeniosas de 2023 hasta el momento. —Matt Mitchell

46. ​​Anjimile: “The King” El coro de múltiples pistas que abre la canción principal del próximo álbum de Anjimile Chithambo cobra vida como un coro al amanecer: una panoplia casi abrumadora de voces y sonidos que emergen de un denso bosquecillo de árboles o se escabullen. el horizonte en varios lugares dentro de un campo plano. El efecto es un recordatorio sonoro de lo que las letras de Chithambo explican con detalle poético: hay millones de negros en Estados Unidos y todos ellos gritan con la esperanza de ser escuchados y respetados. Pero nuestra sociedad opresiva actual no quiere eso. “La Peste Negra está aquí”, canta Chithambo, “Tu silencio es una mancha / la marca de Caín”. Los sentimientos condenatorios de “The King” se transmiten fácilmente a través de la belleza de estas voces entrelazadas, pero las palabras están destinadas a clavarse en tu sistema como púas. —Robert jamón

45. Caroline Rose: “Miami” La mejor canción del tercer álbum de Caroline Rose, The Art Of Forgetting, “Miami” es un hito montañoso y magnífico en su carrera. Escrito sobre el período que viene después de la angustia, Rose aprovecha el melodrama de seguir adelante con una sincera ferocidad. “Miami” nunca coquetea con los clichés y es uno de los mejores temas de “vete a la mierda” del año. “Ojalá pudiera recopilar todos los rechazos sutiles / Envolverlos todos en un moño / Decir gracias, es un placer conocerte / Amé todo nuestro tiempo”, cantan. Con el electro-pop New Wave de su LP Loner de 2018 en el retrovisor, “Miami” es un himno de rock hasta la médula, manteniendo el encanto y la delicadeza que hacen que Caroline Rose sea tan genial. —Matt Mitchell

44. Militarie Gun: “Do It Faster” “No me importa lo que hagas, solo hazlo más rápido” es el llamado de “Do It Faster” de Militarie Gun, una de las canciones más satisfactorias del año. Durante los últimos dos años, la banda de California ha estado combinando hardcore y jangle pop con un éxito masivo en los EP All Roads Lead to the Gun. En “Do It Faster”, el sencillo principal de su álbum debut, Life Under the Gun, su arte pop nunca ha sido tan fuerte. Con la voz cantada a gritos del vocalista Ian Sheldon, tonos de guitarra que dividen la distancia entre Hüsker Dü y Sum 41 y una duración rápida de la canción que invoca el espíritu de Guided by Voices, “Do It Faster” es una maravillosa canción despertador. Estos rasgos están estrechamente relacionados con la letra, que actúa como un discurso en parte motivacional, medio vacío de frustración: “Pierdo mi tiempo, desperdicio mi vida mientras me siento y espero por ti”, se lamenta Sheldon en la parte superior del coro. Pocas bandas llegan tan completamente formadas como Militarie Gun y, en “Do It Faster”, han creado un mantra para su breve e inolvidable sonido punk. —Ethan Beck

43. Bartees Strange: “Daily News” Un tema extra del lanzamiento físico de Farm to Table que tuvo su día a principios de este año, “Daily News” es una furia de proporciones inmensas y míticas. Desde las brillantes guitarras que vibran bajo la conmovedora voz de Bartees Strange hasta la cascada de octavas y vientos que completan la pista, es mágica, pesada y perfecta, una prueba más de que pocos músicos en el mundo son tan impresionantes, serenos y magnéticos como Strange. cuyos restos de álbum tienen tanto poder como sus piezas centrales. —Matt Mitchell

42. ANOHNI and the Johnsons: “It Must Change” Inmediatamente después de anunciar que su primer álbum, My Back Was A Bridge For You To Cross, con los Johnson en más de una década llegará en julio, ANOHNI regresó con “It Must Change”. Change”, un hermoso y conmovedor movimiento que juega un papel clave en un proyecto que responde, según el cantante y compositor, a “las preocupaciones globales y ambientales expresadas por primera vez en la música popular hace más de 50 años”. “La ciudad en tu cabeza / Derrumbando muros y plomo, debe cambiar / El fuego está limpiando / El aceite de las piedras / Tu Dios te está cayendo, las cosas deben cambiar / Dándote infierno / La verdad es que nuestro amor / Rebotará Through Eternity”, ANOHNI canta sobre un vibrante y soñador rasgueo de guitarra y armonías atmosféricas combinadas con un ritmo de mediados de siglo, extrayendo influencia del espíritu emocional y sonoro de What's Going On de Marvin Gaye mientras lo hace totalmente suyo. —Matt Mitchell

41. Yo La Tengo: “Aselestine”Yo La Tengo ha capturado la empalagosa insoportabilidad de estar enamorado durante los últimos 33 años, y no muestran signos de detenerse ahora. "Aselestine" es un hechizo de resurrección que no funciona del todo, un intento poco entusiasta de reanimación cardiopulmonar cuando la relación se enfría. Georgia Hubley canta con dulzura y resignación sobre el amor que está perdiendo, como si supiera que no debe creer que nada cambiará para mejor. “El reloj no corre / No puedo predecir / No puedo vender tus libros / aunque tú me lo pidas”, casi susurra Hubley sobre sus propias armonías líquidas y sus guitarras suaves y sombrías. Un sintetizador etéreo añade cierta magia a la canción, ese impalpable carácter de otro mundo que convierte a Yo La Tengo en una de las grandes bandas de indie rock del último medio siglo. —Miranda Wollen

40. Jess Williamson: “Hunter” “Hunter” no es tu libro de texto, ni tu himno country, ni intenta serlo. Una de las mayores fortalezas de Williamson es su capacidad para cautivar una habitación sin gritar demasiado fuerte para captar la atención de todos. Es a través de su voz, que es tan angelical como familiar, viva y etérea, lo que mueve la aguja de la brújula en sus álbumes, y brillan con tanta destreza en “Hunter”. ¿El resultado? Una pista dorada en libertad sobre las fracturas de una relación que se sumerge bajo la falsa seguridad del amor abundante. “Cuando caminas como una mujer cuyo único amor conocido / Es fácil pasar por alto las señales / Te inclinaste ante mí como si me hubieran enviado desde arriba / Pero, ¿quién está en tu cama esta noche?” Williamson canta. —Matt Mitchell

39. Palehound: “The Clutch” “The Clutch” es un tema de guitarra pesado y electrizante que pone la voz de El Kempner en el centro, mientras patinan sobre riffs y solos desconcertantes de manera sísmica, narrando una relación a punto de desmoronarse. “No necesitabas mi ayuda”, canta Kempner una y otra vez, mientras el arreglo aumenta y luego se desvanece. Es un regreso rugiente para Palehound; un triunfo sonoro que parece apropiado después del encierro, mientras Kempner muestra una ira que se despliega en una revuelta contra la agitación personal. —Matt Mitchell

38. Durand Jones: “That Feeling” El primer sencillo de Durand Jones sin su banda de acompañamiento, The Indications, es una balada soul de combustión lenta que sirve como canción de presentación y de regreso a casa. Ahora con sede en San Antonio, Wait Til I Get Over trata sobre su relación con su ciudad natal de Hillaryville, Luisiana. Las emociones se construyen con guitarras gritando mientras el video cinematográfico revela un amor joven y extraño en una comunidad negra rural en uno de los curvas finales en el río Mississippi. La voz de Jones carga con el peso de las complicaciones y contradicciones mientras indaga en el pasado. —Josh Jackson

37. Decisive Pink: “Dopamine”Decisive Pink, el proyecto colaborativo entre Angel Deradoorian y Kate NV, es una presentación inolvidable del New Wave de los 80 y el synth-pop atemporal. Lo más destacado de su disco debut, Ticket To Fame, es “Dopamine”, un brillante lamento robótico hacia un vacío plagado de consumismo, soledad y peregrinación pesimista. “Estoy comprando cosas que no necesito ahora / Tengo hambre, necesito alimentarme ahora / Nada parece satisfacerme / Creo que estoy perdiendo la cordura”, son frases que conocemos muy bien y que se transmiten a través de pitidos y bloops pulsantes y una caja de ritmos firme. Con una ruptura que incluye una llamada telefónica con un operador y Deradoorian y NV repitiendo "dopamina" una y otra vez, "Dopamina" se consolida como un examen urgente y directo de los placeres modernos y tóxicos en línea bajo el brillo. de un conjunto inquebrantable de texturas electrónicas de 40 años. —Matt Mitchell

36. Sweeping Promises: “Eraser” “Eraser”, el sencillo principal del segundo álbum del dúo Sweeping Promises de Lawrence, Kansas, Good Living Is Coming For You, es un rico arreglo punk a la deriva con ganchos de power-pop y un fondo apasionante y catalítico. -derrotar. “Ella es eficiente / Es tan viciosa / Mi borrador / Bórralo todo / Bórralo”, grita una y otra vez la vocalista Lira Mondal. Con riffs pesados ​​y sintetizadores maravillosos en abundancia, Sweeping Promises ya está capitalizando la ambición y la atrevida sensibilidad compositiva que Mondal y Caufield Schnug poseyeron tan hábilmente juntos en su debut de 2020, Hunger for a Way Out. —Matt Mitchell

35. Vagabon: “Carpenter” Laetitia Tamko, mejor conocida por su nombre artístico Vagabon, se ha mantenido relativamente tranquila desde su fantástico segundo álbum homónimo en 2019. Pero, cuando regresó con “Carpenter”, un sintetizador perfecto de tres minutos pista que se basa en una arquitectura dance-pop convincente y bailable; a principios de este año, signos de una nueva efervescencia se hicieron visibles en el horizonte. Con ritmos similares a su tema fundamental “Water Me Down”, está claro que los arreglos sencillos, implacables y elogiosos del debut de Vagabon en 2017, Infinite Worlds, ya no existen. Pero su lirismo sigue siendo el mismo, mientras atraviesa hábilmente numerosas emociones y las articula como himnos triunfales. “Sigue alejándote / Cuento de advertencia / Era la encarnación del miedo / Yo estaba encarnando el miedo”, canta Tamko en un verso. La poesía de Vagabon habla mucho de su transición y crecimiento entre discos ya que, según la propia Tamko, “Carpenter” trata sobre “ese momento A-HA, cuando una lección del pasado finalmente encaja y quieres correr y contarle a alguien que fue testigo de ello”. tu viejo yo: 'Por fin lo entiendo'”. —Matt Mitchell

34. Jason Isbell y la Unidad 400: “Death Wish” “¿Alguna vez amaste a una mujer con deseos de muerte / Algo en sus ojos como apagar un interruptor de luz”, canta Jason Isbell para abrir “Death Wish”, una canción sureña que conduce canción de rock con hermosas cuerdas de Morgan O'Shaughnessey. "Todo el mundo muere, pero hay que encontrar una razón para seguir adelante". La canción invierte el guión sobre la propia experiencia de Isbell cuando llegó al fondo del alcohol y las drogas en 2012 y encontró apoyo e intervención de quienes lo amaban. Aborda la depresión desde el punto de vista de una persona que ama a alguien que está pasando apuros. "No quiero pelear contigo bebé", canta, "pero no te dejaré en paz". —Josh Jackson

33. Diners: “The Power” A lo largo de una duración enérgica de menos de tres minutos, Diners, el antiguo proyecto de Blue Broderick, refuerza el control del glamuroso cancionero de cantautor de los años 70, que Broderick ha estado desarrollando intensamente desde Three de 2016. . “The Power”, producida por Mo Troper, es una gloriosa porción de power pop bañada por el sol que hace honor a su título. Con reminiscencias del rock 'n' roll estilo American Bandstand, la melodía evoca la iconografía de Big Star y Raspberries. Sin embargo, Broderick rompe el brillo retro y aprovecha su propio That Thing You Do! espíritu con una melodía atemporal impulsada por un coro encantador e inolvidable. “No es demasiado tarde para entender, demasiado tarde para intentarlo / Demasiado tarde para reconocer el poder que hay dentro”, canta. —Matt Mitchell

32. Shalom: “Happenstance” La cantante y compositora Shalom es descendiente de Lucy Dacus, Vagabon e Indigo De Souza, aunque ha formado completamente un sonido que es exclusivamente suyo e inequívocamente genial. Su álbum debut, Sublimation, es un proyecto elaborado con urgencia, apertura y vulnerabilidad franca. “Happenstance” construye un puente lleno de ritmo para alejarse de la negatividad. “Me siento tan fuera de lugar / Sólo intento borrarme cada vez que tengo la oportunidad / Mi necesidad de evaporarme y recibir validación al mismo tiempo”, canta. Hay una razón por la que ella fue nuestro Lo mejor de lo que sigue en marzo: su poderosa composición emocional es conmovedora y honesta. —Matt Mitchell

31. Cheekface: “The Fringe” Cheekface recibió muchos elogios de la crítica desde que se formó en 2017, al menos en lo que respecta a esta publicación. Paste nombró su álbum de 2021 Emphatically No como uno de los mejores álbumes de rock de ese año, y su seguimiento Too Much To Ask fue uno de nuestros mejores álbumes de 2022. A principios de este año, la banda de Los Ángeles regresó con un nuevo sencillo, “ The Fringe”, que cuestiona, de esa manera irónica, qué significa realmente el éxito. "El éxito es vergonzoso", canta Greg Katz, "quiero estar al margen". El líder de un trío que se autodenomina "La banda local de Estados Unidos" continúa hablando y cantando sobre "tallar desnudos masivos en mayonesa fría" y una galería de arte que muestra la "historia personal de mi secreción nasal", ensartando los elementos más ridículos. de vanguardia y la propia lucha de la banda por alcanzar el éxito, todo mientras él y sus compañeros de banda Amanda Tannen (bajo) y Mark Edwards (batería) tocan un pegadizo power-pop-punk que pide repetición. —Josh Jackson

30. Mo Troper: “For You To Sing”El gran sencillo de Troper de 2023 es una exquisita amalgama de armonías de la era del Magical Mystery Tour y licks de guitarra de Guided By Voices. "Hay algo en lo que he estado trabajando / No puedo esperar para mostrártelo cuando termine / Mi corazón se rompe / Cuando estás lejos / Cantando canciones que él escribió para que las cantes", profesa Troper sobre acordes tintineantes y una línea de bajo mítica. Es una canción power pop abrasadora de dos minutos que embellece aún más su destreza narrativa después de MTV de 2022, y sus técnicas de construcción de mundos son audaces, hermosas y vale la pena escucharlas una y otra vez. —Matt Mitchell

29. Tyler, The Creator: "Dogtooth" Tyler, The Creator ha sido un rapero enamorado de cualquier cantidad de seres amados durante más de una década, y "Dogtooth" muestra algunos de sus lirismo más amorosos hasta el momento. Un regalo de Call Me If You Get Lost: The Estate Sale, el sencillo muestra lo mejor que DJ Drama y Tyler pueden hacer juntos. El flow de Tyler lleva la burda ligereza de sus estilos libres, pero su petición de afecto es tan sincera como lo que hemos visto en Flower Boy e IGOR. "Ella podría montar mi cara, no quiero nada a cambio", ronronea, "excepto algo de su tiempo y todo su amor, esa es mi preocupación". Es la arrogancia del chico exigente en su apogeo, y es un espectáculo glorioso para la vista. Tyler tampoco rehuye los ataques a los farsantes y los comentarios aparte sobre su riqueza cada vez mayor, creando un bullicio jazzístico que envuelve hábilmente alrededor de esta pequeña carta de amor. —Miranda Wollen

28. Girl Ray: “Hold Tight” “Hold Tight” es un manto de buena vibra y sabroso archivo disco. En su próximo tercer LP, Prestige, el trío londinense se inspira en HAIM y se reinventa con un triunfo del R&B y el pop barroco. La canción es un valiente himno de club nocturno que rezuma alegría a través de arreglos cristalinos, la voz tempestuosa y aireada de Poppy Hankin y su química con Iris McConnell y Sophie Moss. Prestige es una obra maestra del pop moderno y “Hold Tight” es una revelación. —Matt Mitchell

27. US Girls: “Only Daedalus” Si no quedan fans de US Girls en la Tierra, eso significa que estoy muerta. En Bless This Mess, Meg Remy perfecciona su propio mundo con una explosión de funk que abarca generaciones y que pone banda sonora a las críticas sociales y al humor esperanzador. El tema de apertura “Only Daedalus” es una melodía de R&B bulliciosa y abundante con sintetizadores dance-pop que apunta a la tragedia de la tragedia generacional que, en el contexto de los últimos meses, podría aplicarse a cualquier cosa, desde Elon Musk hasta Succession. Las imágenes griegas que Remy emplea aquí son meticulosas y abiertas. Los guiños al Dédalo titular y su hijo Ícaro se sienten muy actuales, especialmente a raíz del discurso nepo-bebé. “Sólo Dédalo podría haber pensado en esto / Enhebras el caparazón para revelar el pasado / Atraído por la miel al otro lado / Y luego mueres / No te drogues demasiado / Con el suministro de tu papá”, canta Remy. De arriba a abajo, “Only Daedalus” es uno de los temas más pegadizos del año y no puede ser ignorado. Meg Remy es una de nuestras mejores constructoras de mundos; un titán de la realeza del pop. —Matt Mitchell

26. Lana Del Rey: “A&W”“A&W” es completa y maravillosamente extraña. La balada de siete minutos de ¿Sabías que hay un túnel debajo de Ocean Blvd? de Del Rey causó sensación a principios de este año por su pura Lana-ness, esa sensualidad indescriptible y desagradable que ha visto a la cantante flotar por encima de sus compañeros en los últimos años. . “A&W” lleva el nombre de la cadena de restaurantes color crema y un acrónimo de (¿qué más?) “American Whore”, como Del Ray se refiere continuamente a sí misma a lo largo de la odisea lírica de la canción. La canción comienza como la empalagosa balada de piano característica de la era Normal Fucking Rockwell, virando discordantemente hacia el chocante canto de sirena de Lust for Life Lana y, finalmente, los sensuales compases de rap que la reina de la gasolinera sólo nos otorga en momentos especiales. ocasiones. Escúchalo una vez y Del Rey hará su magia: estarás murmurando "Jimmy, Jimmy, cocoa puff, Jimmy, Jimmy monta / Jimmy, Jimmy, cocoa puff, Jimmy, colócame" durante días. —Miranda Wollen

25. The National: “Tropic Morning News” El primer sencillo de First Two Pages of Frankenstein, “Tropic Morning News”, señaló que National estaba tomando una dirección optimista similar a su proyecto de 2013, Trouble Will Find Me. Con guitarras brillantes, sintetizadores atmosféricos y la extensa voz de Matt Berninger, “Tropic Morning News” es una combinación de todo lo que hace que una canción nacional perfecta funcione: arreglos afinados, letras contemplativas pero vulnerables de Berninger y un gran Aaron Dessner que despierta el alma. parte de guitarra. “Estaba sufriendo más de lo que dejaba ver / Las noticias tropicales de la mañana estaban en el aire / No hay nada que me impida ahora / De decir todas las partes dolorosas en voz alta”, canta Berninger en el último coro. —Matt Mitchell

24. Roísín Murphy: “The Universe” “The Universe” llegó con el anuncio de Hit Parade, el primer álbum de la leyenda irlandesa del dance-pop Roísín Murphy desde Róisín Machine de 2020. A principios de este año, Murphy lanzó “CooCool”, que también nos encantó. “The Universe”, sin embargo, continúa basándose en su inmensa, rica y equilibrada visión de cómo combinar a la perfección música disco, R&B, soul y glam rock. La portada del próximo álbum utiliza arte generado por IA, y “The Universe” incluso habla de encontrar alegría en el multiverso: “Dándote a mí, ¿cómo podría estar mal? / Entregarte gratis, sólo demuestra que eres fuerte / Entregarte a mí, ¿cómo podría estar mal?” Murphy canta. Más tarde, la pista pasa a un monólogo con una distorsión vocal que recuerda a Camille de Prince en Sign O' The Times. Hit Parade nos dejará boquiabiertos a todos. —Matt Mitchell

23. Blondshell: “Joiner” El álbum debut homónimo de Blondshell salió esta primavera, y qué regalo de las diosas del indie-rock en ciernes. Aunque todo el álbum es increíblemente rico en sonido, lleno de guitarras conmovedoras y letras desgarradoras, “Joiner” es una canción de amor deliciosamente desesperada y dolorosamente enojada que te hará volver por más. “Sabes que es tu patio de recreo/ Mi casa es tu patio de recreo”, se lamenta Blondshell, como si supiera que se está sumergiendo en un amor que tal vez nunca más le permita volver a salir a tomar aire. “Creo que quiero unirme / Creo que quiero salvarte / Dos personas del fondo de la basura”, llora, y suena a partes iguales una carta de amor y COD: Miranda Wollen.

22. Fenne Lily: “Lights Light Up” Un candidato al riff de guitarra de apertura más exuberante de 2023 hasta el momento, “Lights Light Up” de Fenne Lily, el sencillo principal del tercer LP Big Picture del músico folk nacido en Bristol, es un ensamblaje inmaculado. del cantautor dream pop. Big Picture es un hermoso álbum que cuenta la historia de dos personas enamoradas que simplemente intentan sobrevivir juntas, y “Lights Light Up” no podría haber sido una introducción más adecuada a su historia. “Nos abrazamos mientras todo ardía a nuestro alrededor / Y dentro de mí también / Eso se llama amor”, canta Lily en la canción. El apasionado lirismo de Lily la ha convertido en una de las narradoras más brillantes del cine independiente, y silenciosamente ha rodeado su brillantez de grandes actores. Las actuaciones del guitarrista Joe Sherrin, el bajista Kane Eagle y el baterista James Luxton, junto con la mezcla de Melinda Duterte de Jay Som, ayudan a hacer de “Lights Light Up” un momento gravitacional y totalmente sublime. —Matt Mitchell

21. Crooks & Nannies: El dúo de Filadelfia “Temper”, Crooks & Nannies, tiene Real Life, su verdadero debut discográfico en camino. El sencillo principal “Temper” es una brillante muestra de técnica, ya que el tono perfecto de Max Rafter se combina con una guitarra abrasadora, algunos bloops digitales centelleantes y un gancho que te penetrará profundamente. “Ni siquiera sé por qué estoy enojado / Unas tonterías de no sentirme poderoso”, cantan. Ningún álbum ha comenzado así y, como cada canción de Crooks & Nannies que escucho, ¡es la mejor canción jamás hecha! Ver cómo se desarrolla la vida real durante el verano será un placer. —Matt Mitchell

20. superviolet: “Big Songbirds Don't Cry” Steve Ciolek, el rostro de los queridos gemidos del pop-punk de Ohio, los Sidekicks, durante más de una década, ha cambiado su mirada hacia algo un poco más discreto. Después de llamar a Zac Little de Saintseneca para que le ayudara con la producción, Ciolek, ahora bajo el nombre de superviolet, encontró algo tranquilo y pegadizo. “Big Songbirds Don't Cry” preparó perfectamente el escenario para el próximo gran paso de Ciolek: Infinite Spring, que llegó en abril. La pista es una guitarra acústica relajada junto con armonías perfectas y percusión enfocada. “Los noctámbulos no se ponen verdes / Simplemente se vengan / Los celos son el comienzo de una velada / Dile a Trevor o lo que sea que se le acabó el tiempo / Y si él entra por esa puerta / Estoy seguro de que limpiaré su reloj, ”, canta Ciolek. Aunque el nombre de su proyecto principal ha cambiado, la visión de Ciolek es tan completa y espléndida como lo era cuando escribía los temas de Sidekicks. En todos sus gloriosos juegos de palabras y consideración, “Big Songbirds Don't Cry” es una ola de composición sincera que se quedará contigo. —Matt Mitchell

19. The Beths: “Watching the Credits” “Watching the Credits” podría ser simplemente una canción única, lo que parece probable, dado que los Beth lanzaron su mejor álbum, Expert in a Dying Field, en septiembre pasado. Sin embargo, los rockeros neozelandeses, una vez más, hacen alarde de su destreza en el power-pop. “Watching the Credits” es un fantástico misil buscador de calor de guitarras brillantes y un trabajo de percusión firme. La líder Elizabeth Stokes ofrece una interpretación vocal hipnótica, mientras que el guitarrista Jonathan Pearce desata una pared de acordes prismáticos que derriten la cara. Hay imágenes de cine y bandas sonoras, de dudas y de cómo los finales mueven las agujas de la brújula en la dirección de nuestra vida. “Es simplemente una historia que no me creo del todo / Llena de agujeros en la trama y monotonía constante / ¿Quién apoyará a esta desagradable protagonista? / Ni ellos, ni yo, probablemente no”, proclama Stokes. Lo que hace que los Beth sean tan buenos no es solo su química, sino el hecho de que pueden hacer un sencillo independiente con tanta fuerza. Habla de cómo perduran como una de las bandas de rock más emocionantes del mundo en este momento. —Matt Mitchell

18. Water From Your Eyes: “Barley” “Barley” podría ser la mejor canción de Water From Your Eyes hasta la fecha. Es una versión elevada de los caminos que han recorrido antes, una muestra de su química en evolución como un acrónimo musical que entreteje sonidos de maneras novedosas. Con de todo, desde agitadores, samples de teclas aturdidos, silenciadores de guitarra al estilo de Lee Ranaldo y sintetizadores atonales y disonantes, cada elemento entra y sale del alcance del oído de forma intuitiva. Nada se queda más tiempo que su bienvenida, permaneciendo por el tiempo que quiera. La letra es esotérica y opaca, pero la banda sugiere que se trata de "intentos inútiles de alcanzar lo inalcanzable". Quiero decir, oye, subir la escalera corporativa se parece mucho a escalar y “contar montañas”, como dice el estribillo de Rachel Brown: un ejercicio agotador física y mentalmente que te quita toda la vida. —Grant Sharples

17. Chris Farren: “Cosmic Leash” El sencillo principal del próximo álbum del delegado de power-pop más guapo de Internet, Doom Singer, es un volcán de hardcore y cantautor que estalla en una deliciosa tempestad de pop-punk. Es un emo chicle pesado y pegadizo que coloca guitarras distorsionadas y enganchadas alrededor del conjunto vocal único de Chris Farren. “La correa cósmica / El flujo de lava / Mi cuerpo estalla como un volcán / Está regresando, regresando a mí / La liberación del tiempo, el resplandor / Quiero salir del mundo que conozco”, canta. Producida, diseñada y mezclada por Melina Duterte de Jay Som, “Cosmic Leash” es la maravilla que esperarías de un multifacético como Farren. —Matt Mitchell

16. Yves Tumor: “El cielo nos rodea como una capucha” El último LP de Yves Tumor, Alabado sea un Señor que mastica pero que no consume (o simplemente, caliente entre mundos), fue una bendición del cielo a principios de este año. Muchas pistas del proyecto podrían haber terminado en esta lista, pero “Heaven Surrounds Us Like a Hood” ha sido la más destacada en cada escucha. Tumor está completamente en otro nivel, mezclando distorsión shoegaze con R&B en falsete que recuerda a For You-era Prince y My Bloody Valentine's Loveless y, también, algo generoso, juguetón y amorosamente fresco. “Por un momento nos convertimos el uno en el otro / Encontramos un amor que nos hizo desmoronarnos lentamente / Veo el color rojo en tantos lugares / Este mundo se siente tan feo cuando la vida se burla de nosotros”, cantan con un tono brillante. Lluvia visceral y art-rock. —Matt Mitchell

15. Kara Jackson: “Pawnshop” Hay un poder inmediato en la voz de Kara Jackson, incluso cuando la mantiene contenida durante “Pawnshop”, un breve pero devastador despido para un rompecorazones descuidado. La nativa de Oak Park, Illinois, es ex Poeta Laureada Nacional Juvenil y no desperdicia sus palabras. "No soy un activo liquidado, soy más afilada que una joya", canta, "¿Qué clase de minero te convierte eso, cuando yo soy el oro y tú eres sólo un tonto?" Todo su álbum Why Does The Earth Give Us People To Love es un soplo fresco de aire country cósmico, pero “Pawnshop” es la introducción perfecta para los nuevos conversos. —Josh Jackson

14. Black Country, New Road: “Turbines/Pigs”A raíz de la partida del vocalista Isaac Wood pocos días antes de lanzar Ants From Up There en 2022, Black Country, New Road siguió adelante, realizando giras por todo el mundo y tocando nuevas canciones para los adoradores. multitudes. Desde que Wood dejó el grupo, los miembros restantes del sexteto de Cambridgeshire decidieron no interpretar ninguna de sus canciones en vivo. Por lo tanto, Live at Bush Hall es un disco en vivo delicado e impresionante del nuevo material que han estado tocando durante el último año. Cada canción del set es un triunfo, pero el tesoro es “Turbines/Pigs”, un corte masivo de casi 10 minutos que muestra las habilidades vocales de la pianista May Kershaw. Es una hermosa crónica de desamor, mientras Kershaw desarrolla una historia de pérdida, incertidumbre y duda. “La burbuja que dejaste entonces / Creo que es más segura que el frío / Ahora no es demasiado tarde para volver a casa / Masticaré la pastilla por ti”, canta. Después de ofrecer cinco versos angelicales, toda la banda aumenta en un instrumental explosivo impulsado por el violín de Georgia Ellery. —Matt Mitchell

13. The Lemon Twigs: “In My Head” El cuarto disco de The Lemon Twigs, Everything Harmony, es su mejor y más ambiciosa oferta musical hasta el momento. Atrás quedaron los días del retro color ámbar, mientras los hermanos D'Addario, Brian y Michael, se envuelven en un ciclo de canciones con su propio estilo inolvidable. A su vez, el tercer sencillo, “In My Head”, es una decadencia increíblemente glamorosa del pop rock. Cuando Michael da un hipnotizante “Ooo” al estilo McCartney que se contorsiona y se dobla como una boa constrictor, es inmediatamente evidente que esta banda, estos hermanos, han encontrado su paso. Cuando pasan toda su vida creciendo juntos, la química ya está ahí. Pero de alguna manera, Brian y Michael han trascendido incluso eso. —Matt Mitchell

12. Mega Bog: La experimentalista Erin Birgy, también conocida como Mega Bog, de “The Clown”, lanzó una de sus mejores canciones a principios de este año. “The Clown”, que fue el sencillo principal de su séptimo disco End of Everything, es una pieza perfecta de rock sintetizado. Los arreglos son fascinantes, concisos e inmensos. La pista es apocalíptica pero hermosa, mientras Birgy da sentido a la perspectiva en una relación, examinando cómo han cambiado los roles. “'The Clown' trata sobre la liberación terrible, sensual y caótica de fusionar las propias multitudes, mostrar amor a la oscuridad y las inseguridades, tener curiosidad por lo que está más allá de las supuestas percepciones, rendirse a lo incontrolable, mientras se alimentan las pequeñas estatuas de lo que tenemos control sobre nuestro interior”, dijo Birgy sobre la canción. Tampoco se puede subestimar lo divertido que es “El Payaso”. Birgy está aquí en otro nivel de composición, escribiendo versos que no están abrumados por la palabrería. “Conocí a un joven que dijo / 'Tú lo eres todo' / Y me lo dio todo / Pero realmente lo asusté / Porque lo único que hablo con él es / Decapitar a jóvenes”, canta, antes de que una espada o una guillotina la corte. a través del aire. “El Payaso” es juguetón, sublime y colorido. Estamos en el lugar de Birgy, sintiendo lo que ella siente, bailando con cautela mientras el mundo se curva implacablemente hacia adentro. —Matt Mitchell

11. McKinley Dixon: “Run, Run, Run” ¡El sencillo principal de Beloved! ¡Paraíso! Jazz?!, “Run, Run, Run”, encuentra al rapero de Virginia McKinley Dixon reflexionando sobre la violencia armada, especialmente cómo afecta las vidas de los niños. La historia es inmensa, repleta de imágenes de cuentos con moraleja, como Ícaro y los canarios, y aborda el ciclo vital de la crueldad impulsada por la inequidad. "Todo el bloque se alegra cuando llega a casa / Tener el corazón apesadumbrado realmente lo empeora / Hasta que encontramos la única manera de levantar esa maldición / Si corremos a un lugar donde conocen nuestro valor", rapea Dixon en el segundo verso. “Corre, corre, corre” es honesto, doloroso; Dixon es un creador de palabras cuya pluma es inflexible. —Matt Mitchell

10. boygenius: “True Blue” Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus volvieron a reunir a la banda con el primer álbum de larga duración de su supergrupo boygenius. El disco salió a principios de este año y el trío nos dio tres canciones desde el principio. “True Blue”, un tema destacado del álbum que fue escrito por Dacus (quien toma la voz principal en la pista), es el que más repetimos. “No puedo esconderme de ti como me escondo de mí misma”, canta. “Recuerdo quién soy cuando estoy contigo / Tu amor es duro, tu amor es probado y verdadero”, canta, encontrando consuelo en una amistad eterna con Bridgers y Baker. El cuidado y la artesanía de un mes en el estudio se reflejan maravillosamente en el himno altísimo construido sobre una guitarra atmosférica que le da peso al amor fraternal que celebra Dacus. —Josh Jackson

9. Bully: “Days Move Slow” En su cuarto disco, Lucky for You, Alicia Bognanno, conocida por su proyecto en solitario Bully, regresó con un ruido sordo, eléctrico y pesado. El sencillo principal, “Days Move Slow”, realmente resume la capacidad de Bognanno para evocar el modelo de texturas y arreglos de la década de 1990 y convertirlos en algo contemporáneo y emocionante. La canción fue escrita después del fallecimiento de su perro, Mezzi, y aborda la agonía, el amor incondicional y la aceptación de una manera inmensa. “Y estoy atrapado en algún punto intermedio / Tu muerte y mi sueño lúcido / Últimamente no soy de ayuda, lo sé / Pero estoy cansado de intentar demostrar mi valía / Ser aceptado en esta tierra / Cariño, yo' Estoy lista para comenzar”, canta Bognanno, en una entrega que se extiende a través del océano de guitarras con retroalimentación que han llegado a definir su sonido masivo e implacable. —Matt Mitchell

8. Fever Ray: “Shiver” “Shiver”, un corte ricamente emotivo de Radical Romantics de Fever Ray, es, a la vez, cachondo, inquietante y pegadizo. Karin Dreijer, más conocida como Fever Ray, es una cantautora sueca reconocida por sus intensas acrobacias vocales y apasionantes mutilaciones tecnológicas. “Shiver” describe, con detalles dolorosos y flotantes, la soledad de la era electrónica. "Sólo quiero que me toquen", implora Ray, "sólo quiero temblar / ¿Puedo confiar en ti?" La dirección de la pista es, como era de esperar, impredecible, ya que los destellos de los sintetizadores chocan con los tambores rítmicos y el espacio negativo cuidadosamente colocado. La canción se envuelve sobre sí misma, una emoción desesperadamente animal envuelta en un intrincado electropop. “Shiver” se oscurece hasta convertirse en su propia lujuria turbia a medida que el sentimiento se desvanece, dejando al oyente temblando un poco.—Miranda Wollen

7. Caroline Polachek: “Welcome to My Island” La canción de apertura de Desire, I Want to Turn Into You se burla descaradamente de la propia interioridad de Caroline Polachek mientras suena como la canción número uno en la estación pop de Uncanny Valley. Los sintetizadores Dayglow brillan de fondo mientras ella dice inexpresivamente: "Bienvenido a mi isla / Espero que te guste / No te irás". La única voz que acompaña a Polachek es una animadora que canta un coro de “¡Hey! ¡Ey! ¡Ey! ¡Ey!" improvisado a partir de la introducción de la balada acústica de Pang "Look At Me Now". Polachek grita el título del álbum durante el estribillo con frenético abandono y, después del puente mitad cantado y mitad rapeado, toca un solo de guitarra intencionalmente malo: ¡es camp! A medida que la canción pasa sin esfuerzo de un gran swing tras otro, esta canción pop sobrecargada y maximalista triunfa a pesar de sí misma. —Eric Bennet

6. Girl Scout: Las Girl Scouts “raras” saben cómo componer un himno de marginados. Cuando Emma Jansson canta “Soy sólo una mujer / Que no se siente como algo real / Y no me siento como una mujer / Soy sólo una niña / Tratando de permanecer escondida / De todos los demás”, lo sientes muy dentro de ti. Su EP debut Real Life Human Garbage fue un relicario que hablaba afectuosamente de cómo la retrospectiva puede ser una presencia desquiciada e implacable en nuestras vidas y, en “Weirdo”, el cuarteto sueco se apoya especialmente en su propia vergüenza con un guiño decidido. Jansson traduce cómo las interacciones sociales se han vuelto sesgadas después de la pandemia, al igual que nuestra percepción de nosotros mismos. Todo es dolorosamente honesto y está adornado con un arco de rock alternativo creado por punks del norte de Europa que fueron a la universidad de jazz. Qué poético y peculiar capturar el melodrama de una manera tan alegre y dinámica que borra por completo la noción misma de “chica triste indie”. —Matt Mitchell

5. Indigo De Souza: “Younger & Dumber” ¿Qué se puede decir sobre “Younger & Dumber” de Indigo De Souza que no se haya dicho en Internet desde que llegó a principios de este año? Es el mejor trabajo de De Souza, y hay tanta catarsis en los cuatro minutos y medio de duración del tema que parece inevitable que sigamos hablando de “Younger & Dumber” durante mucho tiempo. Podrías elegir cualquier línea de la canción y te parecerá bien, pero déjame resaltar estas: “A veces simplemente no quiero estar solo / Y no es porque esté solo / Es solo porque me canso tanto de llenando el espacio a mi alrededor / Y el amor que siento es tan poderoso que te encontrará en cualquier lugar / Y el amor que siento es tan real que te arrastrará hacia abajo”. De Souza pasó por una pérdida y, por lo tanto, su mundo se volvió desconocido. Ella traduce perfectamente el toma y daca del desamor, cómo cerrar y seguir adelante no son obstáculos fáciles. Su voz es más suave; los arreglos limpios y discretos. “Younger & Dumber” es una balada en esencia. Qué movimiento tan poderoso, también, lanzar primero el tema final de tu nuevo disco. All of This Will End, la esperada continuación de De Souza de su aclamado segundo LP Any Shape You Take, salió por la puerta en el 11 más emotivo que puedas imaginar, y qué afortunados somos de haber podido presenciar eso. —Matt Mitchell

4. Greg Méndez: “Maria”Greg Méndez no es solo uno de nuestros lanzamientos favoritos del año hasta ahora, sino que su colección de temas populares enérgicos y entrañables hacen de su artista titular uno de los productos básicos de bricolaje más queridos en Filadelfia. El prolífico cantante y compositor trabaja a través de una reflexión fragmentada y se deleita con la alegría que surge de las cenizas de un daño grave. “Maria” es una mirada directa a la adicción y la angustia junto con una entrega serena y palpable y una mirada afectuosa. “Vuelve a mí, porque es fácil / Vuelve a mí, te haré feliz”, canta Méndez sobre una niebla brumosa que es paralela a la escasa historia de fondo que impulsa la pista hacia adelante. —Matt Mitchell

3. Caballito débil: El LP de segundo año del caballito débil “Steamroller”, Girl with Fish, fue un regreso bienvenido por parte de nuestros amigables heraldos del ruido del vecindario. “Steamroller” es un asunto que derrite la cara, donde la vocalista Lydia Slocum merodea sobre una cascada de distorsión y lucha con una montaña de vergüenza que espera dejar ir. "Apisonadora, tú / Jodes como si estuvieras comiendo / Tu sonrisa es como / Líneas en el concreto / Tiraste la toalla / Estoy cansado de hornear / Soy el único / Que me ve desnudo", canta Slocum, pacientemente. . Más allá de la pared estática y las texturas retorcidas, hay un solo de guitarra de amapola de Ryan Walchonski bailando. “Steamroller” es una de las mejores pistas para caballitos débiles. —Matt Mitchell

2. Ratboys: “Black Earth, Wi” El cuarteto de Chicago Ratboys lanzará un nuevo álbum, The Window, en agosto, y su primer sencillo “Black Earth, Wi” es un corte eléctrico y ambicioso de ocho minutos de rock 'n central. ' rollo. Con un solo explosivo de Dave Sagan, una línea de bajo atrevida de Sean Neumann y el acento perfecto de la vocalista Julia Steiner, Ratboys no podría haber elegido una forma más genial de resurgir. No es exagerado llamarla la mejor canción de la banda hasta ahora; Lo que Steiner y compañía han reunido aquí es hipnotizante. Cuando la banda colapsa en una armonía de canto con las guitarras alrededor de los seis minutos, es éxtasis. “Y si ese ruiseñor no canta / Mírala hacer el giro otra vez / ¿Te asusta esa Tierra Negra? / Y si está demasiado apretada / Deja que el amanecer atraviese la noche / Recuperada, no me dejes afuera”, canta Steiner, llevándonos a todos a casa. —Matt Mitchell

1. Miércoles: “Elegido para merecer” Si alguna vez has pasado por un mundo donde un restaurante de comida rápida es uno de los principales lugares de reunión, o has dejado los bailes de la escuela secundaria para vapear en los sótanos de tus amigos, hay un lenguaje que Karly Hartzman emplea Rat Saw God, que es un nicho para los forasteros pero bíblico para aquellos que participan en la broma. “Solía ​​beber hasta que vomité en casa de mis padres / Todos mis amigos tomaban Benadryl hasta que podían ver la mierda trepando por las paredes / Una de esas veces mi amigo tomó demasiado / Tuvo que conseguir su Bomba de estómago”, canta. Es una canción encabezada por el lap steel borracho de country de Xandy Chelmis donde, encima de la gasa del dueto de ella y Jake Lenderman, riffs de guitarra power-pop que evocan a Lynyrd Skynyrd, Hartzman desata un salmo de grosería del que ningún forajido occidental se atrevería a hablar. —Matt Mitchell

Echa un vistazo a nuestra lista de reproducción de estas 50 pistas a continuación.

OBTÉN PEGAR DIRECTAMENTE EN TU BANDEJA DE ENTRADA

La mejor música, películas, TV, libros, comedia y más.

Inscribirse