Siete espectáculos para ver durante el fin de semana de las galerías de Berlín

Desde la exposición individual de Rhea Dillon inspirada en Toni Morrison hasta una exposición colectiva de pintura contemporánea, Louisa Elderton selecciona lo más destacado de la capital alemana

Agnes DenesE-Werk Luckenwalde29 de abril – 16 de julio

E-WERK Luckenwalde, que en 2019 transformó una central eléctrica de carbón abandonada en una central de energía renovable neutra en emisiones de CO2, a menos de una hora en tren de Berlín, financió la producción y exhibición de arte mediante la venta de su electricidad obtenida a partir de pirólisis de biomasa. , a través de la red nacional. A su vez, se ha convertido en un actor clave en el replanteamiento de cómo las instituciones pueden innovar enfoques sostenibles para la creación y difusión de la cultura. E-WERK ha colaborado con la plataforma de encargo con sede en Londres Cultural Institute of Radical Contemporary Arts para una serie de nuevos vídeos de Agnes Denes, famosa por su obra land-art Wheatfield – a Confrontation (1982), en la que plantó y cosechó dos acres de trigo dorado y saludable en el vertedero de Battery Park de Nueva York. La fascinación de Denes por la ecología atraviesa tres películas, tituladas colectivamente Otra confrontación (1982-2022). El proyecto, que destaca el deterioro ambiental y la urgente necesidad de tomar medidas para garantizar la supervivencia futura del planeta, no es un thriller de ciencia ficción: es el llamado a las armas de Denes, comentando nuestra mala gestión de la ecosfera y la importancia de lo que sucederá después.

Dora BudorGalerie Molitor14 abril – 24 junio

La creación de mundos (el proceso de utilizar espacios u objetos existentes para dar forma a realidades ficticias o verdades imaginativas) preocupa a Dora Budor, quien originalmente se formó como arquitecta. Las distorsiones del espacio abundan en 'OLD WORLD', su exposición en Molitor, una de las nuevas galerías más esperadas de Berlín, que se inauguró el año pasado en un elegante espacio de hormigón y vidrio. La serie de obras sobre papel de Budor, 'Terror Terroir' (todas las obras de 2023), utiliza pigmentos de los scooters eléctricos y del sistema de drenaje superficial de Berlín, recolectados mediante un proceso similar al frottage que utiliza papel de lija, para convertir la dimensión vivida de una ciudad en dos dimensiones. abstracciones. Dos nuevas colaboraciones en vídeo con el artista Noah Barker también llevan el realismo a un terreno alucinante, concretamente atando una copa de vino de naranja a la cámara (Orange Film I y II). Un brillo bronceado nivela escenas que representan de forma amorfa The High Line y Domino Park de Nueva York, además de una escultura pública de Anish Kapoor debajo de un edificio de lujo. Estos hablan del espejismo de progreso inherente a tales transformaciones urbanas y los imperativos económicos que las definen.

Sheila Hicks Meyer Riegger 29 de abril – 29 de julio

Las primicias continúan en Meyer Riegger con la primera exposición de la octogenaria Sheila Hicks en Alemania en más de 50 años. La fascinación de la artista parisina por el color encuentra forma textural en diferentes fibras, que anuda, teje o hila para lograr un efecto visceral. Como editor del proyecto Vitamina T: Hilos y textiles en el arte contemporáneo (2019) de Phaidon, me obsesioné con todo lo relacionado con las telas, y Hicks es uno de los líderes del grupo cuando se trata de crear obras maestras a partir de materiales que van desde lana y lino a seda y acrílico pigmentado. Aprendió de primera mano enfoques modernos y antiguos del tejido cuando viajó por América Latina a fines de la década de 1950, y su interés por los textiles mesoamericanos se despertó en Yale mientras estudiaba con Josef Albers y George Kubler, un estudioso del arte precolombino. Meyer Reigger muestra piezas de toda la carrera de Hicks, desde las deliciosas y suaves esferas escarlatas apiladas en Rempart (2016) hasta los 15 palos tejidos con lino blanco que componen Reaching For Purgatory (2023), que de alguna manera desearías que siguiera expandiéndose para encarcelar eternamente. tú en su suave vientre.

Christina QuarlesHamburger Bahnhof24 de marzo – 17 de septiembre de 2023

Poner en diálogo obras de arte históricas y contemporáneas es una de las formas más efectivas de revelar los puntos en común que dan forma a las experiencias a lo largo del tiempo. Christina Quarles considera que las narrativas generales de su trabajo exploran la legibilidad y la ambigüedad de "lo que es moverse por el mundo en un cuerpo", según los materiales de la exposición, poniendo en primer plano la multiplicidad de su propia identidad racial y queer. Al cruzar colores y patrones vibrantes con los contornos de extremidades indeterminadas pero elegantes, los cuerpos de Quarles a menudo se encuentran en un proceso de transformación, movimiento y transformación. Para su primera exposición institucional en Alemania, apropiadamente titulada 'Tiempo colapsado', consideró la naturaleza circular de cómo se representa el confinamiento físico y psicológico en la historia del arte; Al profundizar en la colección de la Nationalgalerie, Quarles muestra obras de artistas como Vito Acconci, Daniel Buren y Nam Jun Paik junto con sus propias pinturas a gran escala. Ambientada dentro de un espacio teatral, el diseño de la exposición utiliza fondos de gasa y accesorios para contrarrestar la naturaleza construida de la identidad y el aparato estructural por el cual el cuerpo a menudo es definido, incluso confinado.

Rhea DillonSweetwater26 de abril – 10 de junio

Toni Morrison vio la escritura como una forma de conocer el mundo, de abrir experiencias encarnadas y eliminar los límites de perspectivas limitadas. Interesada en la negritud a partir del archivo de su propio cuerpo, Rhea Dillon se inspira directamente en la primera novela de Morrison, The Bluest Eye (1970), un libro tan esencial en su exploración del racismo, el abuso infantil y el incesto que hubo numerosos intentos de prohibirlo. para su exposición debut con Sweetwater. Usando pintura grasosa y anti-escalada, Dillon cubre copias de las series de cuentos infantiles educativos 'Dick and Jane' y 'Alice and Jerry', con un pigmento espeso, dejando sólo fragmentos de texto legibles, como: "Mírame, madre, ¡verme!' Los grandes marcos de caoba circundantes recuerdan tumbas poco profundas, una imagen reforzada por una obra en forma de un pequeño ataúd, lleno de semillas de caléndula (Incomprensible Sex Coming to its Dreaded Fruition; Nothing Remains but Pecola & the Unyielding Earth, 2023). Se hace eco de un pasaje de la novela (también utilizado como título del programa) en el que la noticia del embarazo de la protagonista tras una violación se extiende por toda la ciudad. Mientras su familia adoptiva planta semillas de caléndula que brotarán cuando nazca el bebé, se dan cuenta: "Buscamos ojos arrugados por la preocupación, pero sólo vimos velos". Dillon recupera este velo dirigiendo hacia dónde debe recaer la atención del espectador: en lo que quiere que veas.

'En defensa del valor simbólico'Galerie Max Hetzler 27 de abril – 10 de junio

Me desmayé cuando vi la lista de artistas para esta exposición, curada por la incondicional berlinesa Isabelle Graw, crítica de arte y editora de la revista Texte zur Kunst. Entonces, ¿qué tiene en común la serigrafía Sin título (NO AREMOS) (2022-23) de Adam Pendleton con obras de óleo sobre lienzo como Sueño hasta que sea tu realidad (2022) de Jutta Koether o Mora (2022) de Valentina Liernur? Según el comunicado de prensa, Graw cree que son "los contextos sociales los que hacen que las obras de arte tengan significado simbólico", y que la creciente circulación de arte entre galerías de lujo en complejos turísticos elitistas -lo que ella llama "resortización"- y burbujas digitales como Instagram conduce a un vacío. de evaluación crítica. Según el título de la muestra, Graw habla "En defensa del valor simbólico", y cada artista seleccionado utiliza la pintura (en opinión de Graw, el "medio del éxito") para exponer este cambio en la circulación y la resultante dilución del valor analítico. Artistas como Kerry James Marshall, Avery Singer, SoiL Thornton, Rosemarie Trockel y otros acordaron grabar el sonido de sus procesos de trabajo, a partir de los cuales el músico Jens-Uwe Beyer ha creado un paisaje sonoro inmersivo para envolver al espectador. Si está confundido acerca de dónde comienza su conexión digital y dónde terminan sus relaciones sociales, tal vez este programa pueda realinear su realidad sesgada.

Cao FeiSprueth Magers29 de abril – 19 de agosto

Nunca olvidaré la primera vez que experimenté el espectáculo de la ciudad virtual RBM de Cao Fei (2007-2011), creada en el mundo en línea de Second Life; Me quedé paralizado por su amalgama sobrenatural pero extrañamente familiar de un panda flotante, fuego, rascacielos, pagodas y misiles. Para su exposición debut en Sprüth Magers, Cao imagina ecosistemas aún más elaborados, combinando múltiples entornos y posibilidades, que exploran la porosidad entre la existencia virtual y física. Desde su último avatar andrógino con tentáculos biónicos (Oz, 2022), pasando por un científico que accidentalmente atrapa a su hijo en un continuo espacio-temporal alternativo (Nova, 2019), hasta un retrato personal de la cuarentena de su familia en Singapur (Island of Isolation, 2019). , los videos de Cao desdibujan la línea entre ficción y realidad, señalando realidades geopolíticas como nuestras vidas encerradas durante el COVID-19, la influencia de la tecnología en cómo y dónde existimos, y las políticas políticas que dan forma a nuestras vidas. La instalación inmersiva homónima de la planta baja invita a los espectadores a tumbarse y contemplar la primera hazaña arquitectónica del artista en el Metaverso: un reino industrial, botánico, acuático y galáctico que flota auspiciosamente en un cielo de color caramelo. Cao imagina una eternidad que todo lo consume, una en la que la fusión de la conciencia humana y la de las máquinas no sólo es inevitable, sino necesaria.

Imagen principal: Agnes Denes, PRESENTE: Tree Mountain – A Living Time Capsule. Cortesía: CIRCA y el artista.

Louisa Elderton es una escritora y editora que vive en Berlín. Fue editora curatorial en Gropius Bau y actualmente es editora gerente de ICI Berlin Press.

En la Galerie Molitor de Berlín, una exposición póstuma dedicada a la artista muestra una selección de sus lienzos recortados de los años 70.

De las figuras fantasmales de Cinga Samson al análisis de Sam Hutchinson de la estética del milenio

Del anhelo espiritual de Alexander Tovborg a las mitologías colectivas contadas por Miralda

En SAVVY Contemporary, Berlín, 'Conspicuous Invisibility' examina las percepciones de la identidad, la historia y la diáspora africana.

Desde las abstracciones impresionistas de Nerhol hasta las explosiones de fuegos artificiales generadas por la IA de Cai Guo-Qiang

El DJ y escritor experimenta con la música electrónica y se replantea el significado de un 'archivo sonoro' al descubrir cintas en el Instituto Nacional de Diseño

En Barbara Wien, Berlín, el artista reevalúa su amor por Leonard Cohen a la luz de la postura del músico sobre Palestina

En Between Bridges, Berlín, una retrospectiva de la obra del difunto artista sirve como homenaje a su demasiado corta vida.

Del mundo post-apocalíptico de insectos de Marguerite Humeau a los inquietantes ensamblajes de Michael E. Smith

Desde las pinturas performativas de Edita Schubert en la Galerie Molitor de Berlín hasta la nueva videoinstalación de Sin Wai Kin en la Fondazione Memmo de Roma

Desde la exploración de las utopías fallidas de Lee Bull en Gotemburgo hasta una exposición colectiva sobre la región ártica en Umeå

Desde la flora y fauna silvestres de Shikh Sabbir Alam hasta los bucles de retroalimentación sonora de Camille Norment

De la meditación de Christopher Kulendran Thomas sobre la historia del arte a un esperado regreso a casa de Tom of Finland